Choro - estilo musical Brasileiro

Choro, traditionally called chorinho,- is a Brazilian popular music instrumental style. The best term which describe choro is "the New Orleans jazz of Brazil". Its derivation is in 19th century in the cafés of Rio de Janeiro and other large cities in Brazil. The word choro in Portuguese verbatim means "to cry" which seems like an ironic name for music which is very joyful and festal.
Originally choro was played by a trio of flute, guitar and cavaquinho (a small chordophone with four strings). Also, there are other instruments mostly played in choro: the mandolin, clarinet, saxophone, trumpet and trombone.
One of the most important and efficient composers of choro is Pixinguinha. Pixinguinha has been called "the Bach of choro". He was at the height of his performing career through the 1920s, 1930s and 1940s. In 1922 Pixinguinha with his group went to Paris and developed a devoted following in France as well as his native Brazil. What is interesting is that it was the first Brazilian group to be contracted to perform abroad.
Moreover, another choro master is Jacob do Bandolim. He was one of the greatest mandolinists in Brazil. He performed and recorded his music in the 1940s and 1950s. What is more, he was a popular figure on Brazilian radio.
Choro began to fall out of fashion in the mid-1950s, and by the 1960s it was difficult to hear this music anywhere in Brazil. However, 1970 was the year of choro’s rebirth when a new generation of choro musicians emerged.


Choro, tradiciškai vadinamas chorinho,- yra populiarus braziliškas muzikos instrumentų stilius. Geriausias terminas, kuris apibūdina choro yra „Naujojo Orleano braziliškas džiazas“. Jis atsirado 19 amžiaus Rio de Žaneiro kavinėse ir kituose dideliuose Brazilijos miestuose. Pažodžiui verčiant žodį choro į portugalų kalbą reiškia „verkti“. Toks vertimas atrodo gana ironiškai muzikai, kuri yra labai linksma ir šventiška.
Originaliai choro grojamas trijomis fleitomis, gitara ir mačetė (mažas akardionas su keturiomis stygomis). Taip pat, choro yra grojama ir su mandolina, klarnetu, saksofonu, trimitu ir trombonu.
Svarbiausias ir produktyviausias choro kompozitorius, kūrėjas yra Pixinguinha. Pixinguinha yra vadinamas „choro Bachu‘.1920 m., 1930 m. ir 1940 m. jis pasiekė savo karjeros viršūnę. 1922 m. Pixinguinha su savo grupe nuvyko į Paryžių ir skyrė tiek pat daug laiko lavimuisi kaip ir būdami Brazilijoje. Įdomu yra tai, kad tai buvo pirmoji braziliška grupė, kuri sudarė sutartį koncertuoti užsienyje.
Kitas choro meistras yra Jacob do Bandolim. Jis buvo vienas iš geriausių mandolistų Brazilijoje. Jis kūrė muziką ir koncertavo 1940 m. ir 1950m. Taip pat, jis buvo labai populiarus įvairiose radijo stotyse Brazilijoje.
1950 m. choro tapo nebepopuliarus, o 1960 m. buvo sunku išgirsti šią muziką pačioje Brazilijoje. Tačiau 1970 m. buvo tie metai, kai choro atgimė iš naujo, tuo metu kai nauja choro muzikantų karta pasirodė.

Choro, tradicional chorinho chamado, - é um estilo de música popular brasileira instrumental. O melhor termo que descreve o choro é “o jazz de Nova Orleans do Brasil“. Sua derivação está no século 19 nos cafés do Rio de Janeiro e outras grandes cidades do Brasil. O choro de palavras em Português significa literalmente a chorar, que parece ser um nome irónico para a música que é muito alegre e festive.
Originalmente choro era tocado por um trio de flauta e cavaquinho (um cordofone pequeno, com quatro cordas). Além disso, existem outros instrumentos, principalmente jogado em choro: o bandolim clarinete e saxofone trompete trombone.
Um dos compositores mais importantes e eficientes do choro é Pixinguinha. Pixinguinha foi chamado “de Bach do Choro”. Ele estava no auge de sua carreira realizando através do 1920 1930 e 1940. Em 1922 Pixinguinha com seu grupo foi para Paris e desenvolveu um número de fãs na França, bem como o seu Brasil natal. O que é interessante é que ele foi o primeiro grupo brasileiro a ser contratada para executar no exterior.
Além disso é outro mestre do choro Jacob do Bandolim. Ele foi um dos maiores mandolinists no Brasil. Tocou e gravou sua música em 1940 e 1950. O que é mais que ele era uma figura popular no rádio brasileiro.
Choro começou a cair fora de moda em meados da década de 1950 e em 1960 era difícil ouvir esta música em qualquer lugar no Brasil. No entanto 1970 foi o ano do renascimento do choro é quando uma nova geração de músicos de choro surgiram.

http://saintpaulsunday.publicradio.org/features/0109_choro
http://en.wikipedia.org/wiki/Choro
http://choro-music.blogspot.com
http://www.youtube.com/watch?v=cHEJN6-1tIo
http://www.youtube.com/watch?v=cHEJN6-1tIo

MARRABENTA DE MOÇAMBIQUE

MARRABENTA DE MOÇAMBIQUE

A música folclórica nativa de Moçambique tem sido fortemente influenciado pelas formas Português. O estilo mais popular da música de dança moderna é marrabenta.

Marrabenta é a mais conhecida forma de música de Moçambique como moçambicanos dance music. Marrabenta nasceu como uma fusão de música européia importados jogado em materiais improvisados. A marrabenta palavra deriva do rebentar Português, o que significa a ruptura, uma referência às cordas da guitarra barata que agarrou rapidamente. Os instrumentos são feitos de latas e pedaços de madeira. As letras eram geralmente em línguas locais, e incluía canções de crítica social e amor. Além disso, há músicas cujas letras são em Português, a língua oficial de Moçambique. Em 1970 foi tremendamente marrabenta inovou como 1001 Music Productions gravado artistas e encenou grandes concertos. A coletânea foi lançada Amanhecer. O performer marrabenta mais influente foi Fany Pfumo, cuja fama começou depois do sucesso de "Loko ni Kumbuka Jorgina".

O grupo Orquestra Marrabenta Star de Moçambique formado em 1979 e liderada por longo tempo ao executante Wazimbo, excursionou pela Europa e outras partes do mundo, e logo trouxe reconhecimento internacional a marrabenta.

MARRABENTA OF MOZAMBIQUE

The native folk music of Mozambique has been highly influenced by Portuguese forms. The most popular style of modern dance music is marrabenta.

Marrabenta is the best-known form of music from Mozambique as Mozambican dance music. Marrabenta was born as a fusion of imported European music played on improvised materials. The word marrabenta derives from the Portuguese rebentar, that means to break, a reference to cheap guitar strings that snapped quickly. Instruments were fashioned out of tin cans and pieces of wood. Lyrics were usually in local languages and included songs of social criticism and love. Additionally, there are songs whose lyrics are in Portuguese, the official language of Mozambique. In 1970 marrabenta was tremendously innovated as 1001 Music Productions recorded artists and staged large concerts. The compilation album Amanhecer was released.

The most influential early marrabenta performer was Fany Pfumo, whose fame began after the success of "Loko ni kumbuka Jorgina".

The group Orchestra Marrabenta Star de Moçambique formed in 1979 and led by long-time performer Wazimbo, toured Europe and other parts of the world, and soon brought international recognition to marrabenta.

MOZAMBIKO MARRABENTA

Mozambiko vietinė liaudies muzika buvo įtakota portugališkų formų. Populiariausias modernių šokių muzikos stilius – marrabenta.

Marrabenta geriausiai žinoma muzikos forma iš Mozambiko kaip Mozambiko šokių muzika. Marrabenta gimė kaip importuotos Europos muzikos sintezė grojama improvizuojant. Žodis marrabenta kilo iš portugališko žodžio rebentar, kuris reiškia laužyti, nuoroda į prastas greitai nutrūkstančias gitaros stygas. Instrumentai padaryti iš skardinių ir medžio gabalėlių. Dainos žodžiai paprastai buvo vietinėmis kalbomis ir apėmė socialinės kritikos bei meilės temas. Be to yra dainų, kurių tekstas portugalų kalba, oficialia Mozambiko kalba. 1970 m. marrabenta buvo stipriai atnaujinta kai kompanija 1001 Music Productions įrašė atlikėjus ir suorganizavo didelius koncertus. Išleistas rinktinis albumas Amanhecer.

Įtakingiausias ankstyvosios marrabentos atlikėjas buvo Fany Pfumo, kurio išgarsėjimas prasidėjo po „Loko ni kumbuka Jorgina“ sėkmės.

Grupė „Orchestra Marrabenta Star de Moçambique“, sukurta 1979 m. ir vadovaujama ilgamečio atlikėjo Wazimbo, apkeliavo Europą ir kitas pasaulio dalis bei greitai atnešė marrabentai tarptautinį pripažinimą.

http://www.youtube.com/watch?v=_nyO3xPUkGo

http://www.youtube.com/watch?v=-eUgB31vxQo&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=FOskk0xlUG0&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=N0II75gCW-c&feature=related

http://www.clubofmozambique.com/solutions1/blog/mozambique_culture/marrabenta__the_music_of_mozambique

www.wikipedia.com

Funaná

The Funaná is a music and dance genre from Cape Verde. Funaná is an accordion-based music. It is the most upbeat form of Cape Verdean music and bears a resemblance to American zydeco, while being less blues-based and maintaining a closer connection with West African music. The rhythm is usually provided by the ferrinho much like the use of washboards in zydeco, the saw in Caribbean ripsaw music, the scraper in Sub-Saharan African music and the güiro in Latin and Pre-Colombian music. In addition, the funaná is characterized by having a variable tempo, from vivace to andante, and a 2-beat rhythm. The lyrics of the funaná generally talk about everyday situations, mentioning the sorrows and the happiness of quotidian life, but they also talk about social criticism, reflections about life and idyllic situations. As dancing, it is made through alternated quick and strong inflexions of each knee, marking the beats of the rhythm. It is a dancing in couple.

O funaná é um género musical e de dança de Cabo Verde. Funaná é um acordeão baseados música. É a forma mais otimista de música cabo-verdiana e tem uma semelhança com zydeco americano, apesar de serem menos blues-based e manter uma conexão mais estreita com a música do Oeste Africano. O ritmo é geralmente fornecida pelo ferrinho bem como o uso de tábuas de lavar em zydeco, a viu no Caribe música ripsaw, o raspador na África Sub-Saara Africano e música o reco-reco na música latina e pré-colombiana. Além disso, o funaná é caracterizada por ter um andamento variável, de vivace a andante, e um 2-beat ritmo. As letras do funaná geralmente falam de situações cotidianas, que citam as tristezas ea alegria da vida cotidiana, mas eles também falam de crítica social, reflexões sobre a vida e situações idílicas. Como dança, funaná é um casal dançando, com os parceiros se abraçando com um braço enquanto com o outro braço mantêm as mãos dadas. A dança é feita através de inflexões alternados rápidos e fortes de cada joelho, marcando as batidas do ritmo.

Žaliojo Kyšulio respublikoje egzistuoja muzikos ir šokio žanras Funaná. Tai akordeonu pagrįsta muzika, kuri yra linksmiausia Žaliajame Kyšulyje ir yra panaši į amerikietiškąjį zydeco tik su mažiau bliuzo elementų bei labiau orientuota į Vakarų Afrikos muziką. Ritmas išgaunamas naudojant ir specifinius instrumentus tokius kaip güiro Lotynų Amerikoje ar scraper Afrikos muzikoje. Be to, Funaná yra apibūdinama kaip turinti kintamą tempą, nuo vivace iki andante, ir turinti dviejų taktų ritmą. Funaná lyrika kalba apie kasdienes situacijas, minėdama liūdesį ir kasdieninio gyvenimo laimę, taip pat ji kalba ir apie socialinę kritiką, gyvenimo įvykius ir idiliškas situacijas. O kaip šokis, Funaná yra poros šokis, kuriame akcentuojamas greitas ir stiprus kiekvieno kelio lenkimas, žymėdamas ritmo stiprumą.

Literature:

www.ecaboverde.com/img3585.htm?l=capoverde
http://en.wikipedia.org/wiki/Funan%C3%A1

Carmen Miranda

Carmen Miranda (Maria do Carmo Miranda da Cunha; Marco de Canaveses, 9 de fevereiro de 1909 — Beverly Hills, 5 de agosto de 1955) foi uma cantora e atriz. Sua carreira artística transcorreu no Brasil e Estados Unidos entre as décadas de 1930 e 1950. Trabalhou no rádio, no teatro de revista, no cinema e na televisão. Chegou a receber o maior salário até então pago a uma mulher nos Estados Unidos. Seu pai, José Maria, emigrou para o Brasil, onde se instalou no Rio de Janeiro. Em 1910, sua mãe, Maria Emília seguiu o marido, acompanhada da filha mais velha, Olinda, e de Carmen, que tinha menos de um ano de idade. Carmen nunca voltou à sua terra natal, mas segurou sua nacionalidade Português.

Em 20 de janeiro de 1936, estreou o filme Alô, Alô Carnaval com a famosa cena em que ela e Aurora Miranda cantam "Cantoras do Rádio". No mesmo ano, as duas irmãs passaram a integrar o elenco do Cassino da Urca de propriedade de Joaquim Rolla. A partir de então as duas irmãs se dividiram entre o palco do cassino e excursões freqüentes pelo Brasil e Argentina. Depois de uma apresentação para o astro de Hollywood Tyrone Power em 1938, aventou-se a possibilidade de uma carreira nos Estados Unidos.Em 1939 Carmen assinou contrato com o empresário Lee Shubert. Então a carreira principal de Carmen começou.

A morte dela era muito inesperada. Aquela noite ela teve evento engraçado com os amigos dela e depois que algumas bebidas Carmen skubiu para seu quarto para dormir. Acendeu um cigarro, vestiu um robe, retirou a maquiagem e caminhou em direção à cama com um pequeno espelho à mão. Um colapso cardíaco fulminante a derrubou morta sobre o chão. Carmen corpo foi encontrado pela empregada na mesma noite. Tinha 46 anos.

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Carmen Miranda (Maria do Carmo Miranda da Cunha; Marco de Canaveses, February 9, 1909 — Beverly Hills, August 5, 1955) was a singer and actress. Her artistic career passed in Brazil and US in 1930’s and 1950’s. She worked in radio, theater, cinema and TV. Was the highest-paid woman in the United States. Her father, José Maria, emigrated to Brazil and settled in Rio de Jeneiro. In 1910, her mother, Maria Emília, followed her husband together with her daughters Olinda and Carmen, which was only one years old. Carmen never returned to her homeland, but retained her Portugal nationality.

In January 20, 1936, appeared in film Alô, Alô Carnaval with a famous scene where she and Aurora Miranda were singing “Cantoras do Rádio”. These years two sisters started to appear in the Casino of Urca of property of Joaquim Rolla. Starting from then the two sisters became separated between the stage of the casino and frequent trips for Brazil and Argentina. After presentation for the Hollywood star Tyrone Power in 1938, revealed career opportunity in US. In 1939 Carmen signed the contract with impresario Lee Shubert. Then the grand career of Carmen has started.

Her death was very unexpected. That evening she had funny event with her friends and after some drinks Carmen went to bed for a sleep. Light up the cigarette, undressed, removed her makeup and walked towards the bed with the small mirror in her hand. Suddenly she fell off on the floor by the heart attack. The maid found Carmen’s body on the next night. She was 46 only years old.

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Carmen Miranda (Maria do Carmo Miranda da Cunha; Marco de Canaveses, 1909m. vasario 9 d. — Beverly Hills, 1955m. rugpjūčio 5d.) buvo dainininkė ir aktorė. Jos aktorinė karjera prabėgo Brazilijoje ir JAV, ketvirtam ir šeštam dešimtmetyje. Ji dirbo radijuje, teatruose, kine ir televizijoje. Buvo geriausiai uždirbanti moteris JAV. Jos tėvas, José Maria, emigravo į Braziliją ir apsistojo Rio de Ženeire. 1910 m., jos motina, Maria Emília, atvyko paskui vyrą kartu su savo dukromis Olinda ir Carmen, kuriai tada buvo vos vieneri metai. Carmen niekada ir negrįžo į savo gimtinę, bet išsaugojo Portugalijos pilietybę.

1936 m. sausio 20d. pasirodė filme Alô, Alô Carnaval su garsiaja scena, kur kartu su Aurora Miranda dainavo “Cantoras do Rádio”. Tais metais dvi seserys pradėjo pasirodymus Joaquim’o Rolla kazino, Urkoje. Nuo šių metų seserys tapo išskirtos tarp pasirodymų kazino scenoje ir dažnų kelionių po Braziliją ie Argentiną. Po prisistatymo Hollywood’o žvaigždei Tyrone‘ui Power‘ui , 1938 m., atsirado karjeros JAV galimybė. 1939 m. Carmen pasirašė kontraktą su impresarijumi Lee Shubert’u. Tada ir prasidėjo didžioji Carmen karjera.

Jos mirtis buvo tikrai netikėta. Tą vakarą ji linksmai leido laiką su draugais ir po kelių taurių Carmen nuėjo miegoti. Prisidegė cigaretę, nusirengė, nusivalė makiažą ir ėjo pro lovą, rankoje laikydama mažą veidrodėlį. Staiga ji krito ant grindų nuo širdies smūgio. Carmen kūną kitą naktį rado kambarinė. Jai tebuvo 46 metai.

Sources/Šaltiniai:

http://ambergilchrist.files.wordpress.com/2009/04/carmen-miranda2.jpg

http://www.blogcdn.com/www.cinematical.com/media/2005/08/Carmen_Miranda-006.jpg

http://pt.wikipedia.org/wiki/Carmen_Miranda

A morna

A morna é um género musical e de dança de Cabo Verde. A morna trata-se verdadeiramente de um símbolo nacional, do mesmo modo que o fado para Portugal. A morna tem aspectos em comum com a modinha brasileira e o fado português. Muitos musicólogos localizam todos os três géneros ao lundum africano, provavelmente de Angola. O que é certo é que a morna é um produto complexo da junção de Cabo Verde com as culturas europeias e africanas. Mas não se sabe ao certo quando e onde surgiu a morna.
O instrumento por excelência para acompanhar a morna é a guitarra, chamada popularmente de violão em Cabo Verde. Na sua forma mais simples um violão é suficiente para fornecer um acompanhamento para outro instrumento solista, que pode ser outro violão, um violino (chamado popularmente de «rabeca» em Cabo Verde), a voz do cantor, ou outro instrumento melódico qualquer.
A temática da morna é variada, mas há certos temas que são usados com maior frequência. Para além de temas universais, como o amor, por exemplo, são também abordados temas próprios da realidade cabo-verdiana, como a partida para o estrangeiro, o regresso, a saudade, o amor à pátria, o mar. Para a maioria, a palavra morna corresponderia ao feminino da palavra portuguesa morno, numa alusão ao carácter suave e dolente da morna. No início do séc. XX, o poeta Eugénio Tavares foi um dos principais responsáveis por conferir à morna o carácter romântico que ela tem até hoje. Nos anos 50 a nível político começam a surgir movimentos de contestação à política colonial portuguesa, na morna isso é feito de uma forma velada, com um alargamento de temas a incluir louvores à terra natal ou a personagens estimadas na terra natal. Nos anos 70 surgiram inclusive composições com carácter de intervenção política. Os compositores mais recentes aproveitaram-se de maiores liberdades artísticas para conferir à morna características pouco habituais. Alguns compositores tentam a fusão da morna com outros géneros musicais.
Os maiores compositores das mornas são Eugénio Tavares e B. Leza.
A cantora de morna internacionalmente conhecida é Cesária Évora. Ela é conhecida como a rainha da morna.

Morna is a music and dance genre from Cape Verde. Morna is widely considered the national music of Cape Verde, as is the fado for Portugal. Morna shares much in common with the Brazilian modinha and the Portuguese fado. Many musicologists trace all three genres to the African lundum, probably from Angola. What is sure is that morna is a product of Cape Verde's complex encounter of European and African cultures. However it is not known for sure when and where morna appeared.
The main instrument associated with morna is the guitar, called violão in Cape Verde. In its most simple form, a guitar is enough to provide the accompaniment for another soloist instrument that can be another guitar, a violin, the singer’s voice or any other melodic instrument.
The thematic of morna is varied, but there are certain subjects that are approached with more frequency. Besides universal subjects like love, for instance, also typically Cape Verdean subjects are talked about, such as the departure to abroad, the come back, saudade, the love for the homeland, the sea. For most of the people the word morna would correspond to the Portuguese word morno (warm) clearly alluding to the sweet and plaintive character of morna. In the beginning of the XXth century, the poet Eugénio Tavares had one of the main responsibilities for giving to morna the romantic character that it has until today. In the 50s began the movement against the Portuguese colonial policy , and morna thematically widened by including lyrics praising the homeland or beloved people in the homeland. In the 70s there were even political songs. Recent composers take advantage of more artistic freedom to give to morna unusual characteristics. Some composers try fusioning morna with other musical genres.
The greatest Cape Verdean composers are Eugénio Tavares and B. Leza.
The best internationally known morna singer is Cesária Évora. She is called the queen of morna.

Morna yra Žaliojo Kyšulio muzikos ir šokio žanras. Tai nacionalinė Žaliojo Kyšulio muzika, kaip yra Portugalijos fado. Morna turi daug bendro su Brazilijos modinha ir Portugalijos fado. Daug muzikologų visus tris žanrus sieja su Afrikos lundum, manoma iš Angolos. Tačiau yra aišku, kad morna yra sudėtinis europietiškos ir afrikietiškos kultūros darinys. Vis dėlto nėra tiksliai žinoma, kada ir kur morna atsirado.
Pagrindinis su morna susijęs instrumentas yra gitara, Žaliajame Kyšulyje vadinama violão. Gitaros paprastai užtenka akomponuoti kitam soliniam instrumentui, kuris gali buti kita gitara, smuikas, dainininko balsas ar kitas melodingas instrumentas.
Mornos tematika įvairi, tačiau kai kurios temos pasitaiko dažniau. Be universalių temų, tokiuų kaip meilė, tipiškos Žaliojo Kyšulio mornų temos yra išvykimas į užsienį, sugrįžimas, ilgesys (a saudade), meilė gimtajai žemei, jūra. Daugumai žmonių žodis morna reiškia portugališką žodį morno (šiltas) aiškiai darant užuominą į mielą ir graudų mornos pobūdį. XX amžiaus pradžioje poetas Eugénio Tavares buvo labiausiai atsakingas už mornai suteiktą romantišką pobūdį, kurį ji turi iki šiol. 1950-1960 metais Žaliakame Kyšulyje prasidėjo judėjimas prieš kolonialistinę Portugalijos politiką ir morna išsiplėtė tematiškai – atsirado mornų žodžių, giriančių gimtąją žemę ar mylimus žmones gimtinėje. 1970-1980 metais atsirado net politinių dainų. Dabartiniai kompozitoriai teikia pirmenybę meninei laisvei, kad suteiktų mornai neįprastą pobūdį. Kai kurie kompozitoriai bando jungti mornas su kitais muzikos žanrais.
Žymiausi mornų kompozitoriai yra Eugénio Tavares ir B. Leza.
Pasaulyje žinomiausia mornų atlikėja yra dainininkė Cesária Évora. Ji netgi vadinama mornos karaliene.

Translated by Vaida Sirusaitė
Information and photos: http://worldmusic.nationalgeographic.com/view/page.basic/genre/content.genre/morna_757/en_US
http://en.wikipedia.org/wiki/Morna_%28music%29
http://pt.wikipedia.org/wiki/Morna

Heitor Villa-Lobos

Considerado, ainda em vida, o maior compositor das Américas, Heitor Villa-Lobos compôs cerca de 1.000 obras e sua importância reside, entre outros aspectos, no fato de ter reformulado o conceito brasileiro de nacionalismo musical, tornando-se seu maior expoente. Foi, também, através de Villa-Lobos, que a música brasileira se fez representar em outros países, culminando por se universalizar.

Raul Villa-Lobos, pai do compositor, funcionário da Biblioteca Nacional e músico amador, deu-lhe instrução musical e adaptou uma viola para que o pequeno Heitor iniciasse seus estudos de violoncelo. Aos 12 anos, órfão de pai, Villa-Lobos passou a tocar violoncelo em teatros, cafés e bailes; paralelamente, interessou-se pela intensa musicalidade dos "chorões", representantes da melhor música popular do Rio de Janeiro, e, neste contexto, desenvolveu-se também no violão. De temperamento inquieto, empreendeu desde cedo escapadas pelo interior do Brasil, primeiras etapas de um processo de absorção de todo o universo musical brasileiro. Em 1913 Villa-Lobos casou-se com a pianista Lucília Guimarães, indo viver no Rio de Janeiro. Em 1915 realiza o primeiro concerto com obras de sua autoria.

Em 1922 Villa-Lobos embarca para Europa, regressando ao Brasil em 1930, quando realiza turnê por sessenta e seis cidades. Seu casamento com Lucília termina na década de 1930. Depois de operar-se de câncer em 1948, casa-se com Arminda Neves d'Almeida a Mindinha, uma ex-aluna, que depois de sua morte se encarrega da divulgação de uma obra monumental. O impacto internacional dessa obra fez-se sentir especialmente na França e EUA, como se verifica pelo editorial que o The New York Times dedicou-lhe no dia seguinte a sua morte.

É possível encontrar na obra de Villa-Lobos preferências por alguns recursos estilísticos: combinações inusitadas de instrumentos, uso de percussão popular e imitação do cantos de pássaros. Também se encontra em sua obra uma forte presença de referências a temas do folclore brasileiro. O maestro não defendeu nem se enquadrou em nenhum movimento, e continuou por muito tempo desconhecido do público no Brasil e atacado pelos críticos.

Considered, even in life, the greatest composer of the Americas, Heitor Villa-Lobos composed some 1,000 works and its importance lies, among other things, the fact that he recast the Brazilian concept of musical nationalism, and became its greatest exponent. It was also by Villa-Lobos that the Brazilian music was represented in other countries, culminating in it becoming universal.

Raul Villa-Lobos, the composer's father, an official of the National Library and amateur musician, gave him musical education and a viola adapted for the small Heitor to commence his studies in cello. At 12 years old, fatherless, Villa-Lobos began playing cello in theaters, cafes and dances, in addition, became interested in the intense musicality of "whiners", representatives of the best popular music of Rio de Janeiro, and in this context, also developed on the violin. Restless in temperament, he undertook early escapades into the interior of Brazil,

the first steps of a process of absorbing the entire universe Brazilian music. In 1913 Villa-Lobos married the pianist Lucília Guimarães, moving to live in Rio de Janeiro. In 1915 conducted the first concert of his works.

In 1922 Villa-Lobos sailed to Europe, returning to Brazil in 1930, when conducted a tour of sixty-six cities. His marriage to Lucília ended in the 1930s. After being operated from cancer in 1948, married Arminda Neves d'Almeida, a former student, who after his death was responsible for the dissemination of a monumental work. The international impact of this work was felt especially in France and USA, as reflected in the editorial that The New York Times devoted to him on the day after his death.

In the works of Villa-Lobos on can fnd preferences for some stylistic features: unusual combinations of instruments, use of percussion and popular imitation of birdsong. Also in his work can be found a strong presence of references to issues of Brazilian folklore. The composer did not defend or fit into any movement, and continued for a long time unknown to the public in Brazil and attacked by critics.

Dar būdamas gyvas laikytas didžiausiu Amerikos žemyno kompozitoriumi, Heitor Villa-Lobos parašė apie 1000 kūrinių, o jo svarba, be visa kita, glūdi tame, kad jis performulavo braziliškojo muzikinio nacionalizmo koncepciją bei pats tapo jos svarbiausiu pavyzdžiu. Be to, būtent Villa-Lobos dėka Brazilijos muzika buvo pristatyta visame pasaulyje, tapdama visuotinai žinoma.

Raul Villa-Lobos, kompozitoriaus tėvas, Nacionalinės bibliotekos darbuotojas, suteikė sūnui pirmąjį muzikinį išsilavinimą bei mokė mažąjį Heitorą groti violončele naudodamas altą. 12 metų netekęs tėvo, Villa-Lobos pradėjo groti teatruose, kavinėse ir šokiuose, be to, susidomėjo populiariaja Rio de Žaneiro muzika bei, jos įkvėptas, išmoko groti smuiku. Būdamas nenustygstančio temperamento, jis anksti išvyko į Brazilijos gilumą, taip žengdamas pirmuosius žingsnius įsisavinant ištisą Brazilijos muzikos visatą. 1913-aisiais Villa-Lobos vedė pianistę Lucília Guimarães be apsigyveno Rio de Žaneire. 1915-aisiais his dirigavo pirmajam savo kūrinių koncertui.

1922-aisiais Villa-Lobos išplaukė į Europą, į Braziliją grįždamas tik 1930-aisiais, kai dirigavo koncertų turui 66 miestuose. Netrukus iširo jo santuoka su Lucília. Po vėžio operacijos 1948-aisiais, vedė buvusią mokinę Arminda Neves d'Almeida, kuri po jo mirsties rūpinosi jo milžiniško kūrybinio palikimo populiarinimu. Pasaulinis jo darbų poveikis buvo ypač jaučiamas Prancūzijoje ir JAV, ką atspindi The New York Times vedamasis kitą dieną po jo mirties.

Villa-Lobos kūryboje galima rasti polinkių į tam tikrus stilistinius bruožus: netradicines instrumentų kombinacijas, perkusijos naudojimą ir paukščių čiulbesio imitaciją. Kompozitorius neatstovavo jokio muzikinio judėjimo ir ilgą laiką buvo nežinomas Brazilijoje ir atakuotas kritikų. Taip pat jo darbuose galima rasti nemažai nuorodų į brazilų folklorą.